中国新锐艺术家王敏的个人网站正式上线

龙脉画廊正式推出青年艺术家王敏的个人网站： http://WangMinProject.com...

师诸造化 I 艺术家方志勇的创作之路

        “发现”这一概念其实并不太关乎于对新事物的寻找，而是去回忆一些已经存在但不知为何持续处于未被收集的状态的事物。 哥伦布是发现了一个新世界还是其实他只是提醒了欧洲人关于一片早被遗忘的土地的存在？遗忘是我们的天性，而我们需要通过发现去再次回忆那些逝去的记忆吗？艺术家们能够在商人和科学家之前便发现新事物吗？还是说事实上艺术家只是用一种特殊的语言和媒介去回忆一些仅需转化成科学方程式就能表达同样内涵的事物？就像是哥伦布通过航行抵达记忆的彼岸，那么方志勇也同样可以被认为是在力图探索那些目前尚被大众遗忘的事物，并且有可能方志勇目前所展示的探索过程中出现的蛛丝马迹也许有一天会唤起那些不同行业的人的记忆，而他收集的这些记忆未来将会被更多人以别的方式继续召唤。         方志勇认为，“艺术家的每次创作都是一个新的开始， 但作品的原点大多是自己挥之不去的精力和记忆。” 以上他所提到的这个过程都体现在其最近的一些系列作品 和雕塑的主题之中。记忆包含着缺席和存在两种状态，它揭示了那些存在于现实世界而超然于心灵之外的那些缺席的事物。而这些看似不存在而实际上只是隐藏起来 的事物就需要通过一些特别的方式使其显性。对方志勇而言，艺术家所需要做的是通过选择独特的媒介语言的方式来呈现这些事物，就像是对于物理学家来说同样的知识可以转化为一种科学方程式来加以阐述。而每个探索者彼此相异的阐述可视为组成了一系列在不同规则和语言框架下不断更新的知识体系。每一次的发现都提醒着人类缺席之物其实存在已久。         探索和游戏是密切相关的。因此，在方志勇最近的一个系列中，他将成年人脑海中的一些深层次的理解转而通过孩童时期的一种游戏—— “拼图”加以表现。拼图通过联系、组合任意事物、化零为整的方式来体现探索之精神。它通过不同碎片自身蕴含的触觉体验来一步步促进着事物的成型。因为它们挑起了大众自年轻时期的记忆 并且同样以游戏的方式勾起了对探索的冲动。游戏教会了儿童如何联系事物并且如何组合它们。它通过脑海中的种种想象与个人能力进行连接的方式吸引着这些年轻 的头脑们进行探索。拼图让孩童们感知碎片并且利用轮廓将碎片连接成一个整体。对于成年人来说，这种思维方式永远不会丧失并且将一直在潜伏于意识之中，几近 半数被遗忘，却永远能够被重新拾起。 方志勇最近创作的系列作品采用了对比强烈的色彩(红 色、黑色、金色)结合拼图，在个体和群体的自然存在中激起复杂的反思。其中有一片拼图是缺失的，这是代 表在心灵边缘被遗忘的事物吗？还是代表了那些永远难以融入集体的个体？这仅仅只是展现一整个缺失了个体—那一片拼图的图像？还是说它体现了一种企图寻找缺失的碎片从而完成拼图的渴望?又或者是通过勾起这 种渴望从而创造一种联系让拼图在想象中被探索呈现？ 但是那个缺失的拼图和它无法呈现的颜色呢?金色在中国文化中是一种代表着财富的颜色。那么我们是否能够这样解释那个缺失的碎片?尽管相当大一部分人群渴望财富，并且艺术家通过描绘这些形态各异的拼图去象征他们进入整个财富圈的身份，然而缺失的那个碎片，人群中的那个个体，将永远在这个圈子中消失？会存在这样一个永远无法合群的人吗?还是说我们应该将这个缺失的拼图看成是一个无论自身如何努力塑造与社会财富的进步程度相匹配的个性特质，但始终心存芥蒂的商人？ 在方志勇的一些作品中一些片段是缺失的，有时候分裂就那么唐突的出现在画面正中央。那么这种分裂是否意在展现两个族群创造不同的语言和文化这个历史进程吗？他们渐行渐远并且产生隔阂了吗？这就是大多数文化如何成型、分离或出现的吗？当看到大量的碎片所遗留下来的黑色区域时，我们几乎可以从中看到大陆分崩离析后的地球。鸿沟于此形成。而海水瞬间奔涌而至将其填充。在地质时期，海洋就是这样将曾经同属于一个大陆的两个部分分离。说到底，我们是在审视人类自身还是在审视地球之演化呢?         拼图中蕴含的自然之道并不稀奇。方志勇进一步的艺术探索便是通过介入自然并探索其各种存在状态。他通过作品重新将树木、田野、岩石的形式互相联系。值得注意的是，他在作品中拣选媒介材料的过程也同样是作为一个中国艺术家的寻根之旅，拥有一种中国艺术家的艺术自觉。在材料运用上，方志勇选择了水墨。他通过对于水墨的创新发挥用呼应了作为当代艺术家应该拥有的对待艺术的姿态。他选择了偏抽象的表现方式。在作品中，森林幻化为徜徉在轻柔的绿色和棕色中的纤细线条。相较于传统水墨画中那些沐浴着和谐之美的树木枝叶，他的作品更倾向于展示树木本身的肌理——木材。从而成为一种对于中国自然五行之一—木元素的探索和理解。 作品开始着重抒发而非描摹，地面的石块就此开始沐浴在太阳的光线和矿石般的密度中。墨与不同的矿物元素相结合，宣纸上那些抽象的形式于是展现了紫色、银色以及淡紫色。此外，五行中另外两个自然元素，金和土，也出现在这些富有创造力的作品之中。 即使在画面中没有展现任意一块石头的形象，我们还是能够感受得到岩石的存在。就像是方志勇已经深入树林之中，坐在岩石上细细感知它们隐含的秘密一样，他探索出了一种对于自然全新的理解和全新的视觉呈现方式。 通过金、木、土，方志勇循着中国五种基本自然元素的其中三种开始了自己师法造化之旅。而自然本身寓于自然之中。大陆漂移演变，人亦然。心灵的缺失和个人在人群中的迷失就像是大陆与大陆之间的隔阂，当这种隔阂不断生长时，一切最终化成滔滔洪水，沉沦和孤立随之而来。也许，这也会催生一些新生事物。水，作为第四种中国基本自然元素，可能就在拼图的运动中变成被遗忘的碎片。或许有人问到，如果在金色的拼图中最终留下来一个碎片，一个个体，那么到底是谁是这个幸运者呢？整个呈现金黄的拼图难道只是短暂的幻想，一旦缺失的那块复位，整个画面就会变为五颜六色吗？         方志勇识别出未知之物，并深谙缺席寓于存在之中的道理，他已然游历于树林之外，进一步将创作精力投入到那些易听不易见的事物之中。他的创作代表了那些树木和岩石的视觉呈现，然而它们的那些声音、视觉描绘下遗漏的细节呢?在《关于肖邦的线性猜想》这一组作品之中，他纠结于如何通过视觉形式表现声音这一问题。直至某一深夜，沉浸在肖邦的音乐之中逐渐放松，他由此发现所听之物与之可能呈现的方式之间的关系。在该系列作品之中，音乐的形式表现在线条的运动之中，一些统一和谐，而另一些嘈杂而发散。同样地，他对宣纸的选择再次全面地回归了其所描绘的自然之中所流露出的独特身份标识。 个人的身份同样也是自然的一部分。对于岩石和木材的描绘在艺术家和作品主题之间设立了间离。声音作为自然中不能被看见的一部分极大的挑战了视觉媒介，但是它仍需更深入地将自身展现出来。艺术家本身也是自然，当他想要表达时，会对已知和未知进行辨别和判断。于是当艺术家绘创作时，他能同时发掘两者，亦可以省略那些必须存在的事物。    创造是艺术家的本性。艺术家也同样是自然的一部分。方志勇选择通过描绘自然从而开启向自然学习的旅程。于是方志勇以他个人的创作和变化，引导我们通过自身不同的成长阶段去探索记忆、去理解那些存在和在集体中却失声的人。我们到底记住了什么，到底选择遗忘了什么? 从石头到线条再到拼图，游戏触发了孩童般的探索与好奇心。但诺贝尔奖和数学家也知道，游戏比它们呈现出来的形式要复杂得多。在理论层面，游戏从来不止于不孩童间的打闹嬉戏。方志勇在不同系列作品中呈现出的演变，也是从最基础简单处开始出发从而逐渐升华对自然的理解。 玩游戏的小孩、闪耀着矿物光芒的岩石、树木的木材特质， 再到伴随线条震动而具有肉身的音乐。这些都是方志勇以自然为师的绘画，并且都是其秉持本性所进行的探索。            瑞士物理学家沃尔夫冈·保利(Wolfgang Pauli)多年来在奥地利、瑞士和德国的大教堂里参悟玫瑰窗之美。 那些窗户上的曼德拉图式的设计，源自强烈的宗教情感，并由那个世代最伟大的工匠们制作成。正是这些视觉形式激起了潜在于保利记忆深处的灵感火花。多年以后， 这些图式体现在保利发现的“不相容原理”的方程式之中 ，并且为他赢得了一座诺贝尔奖。精神层面上的理解与探索通过工匠手中的玫瑰窗中蕴含的独特视觉形式展现出来，就此升级为另一个关于美和平衡的探索。玫瑰窗的图式也在这一探索下通过保利的“不相容原理”而被人们所铭记。 现代科学以物理的表达方式呈现变化，他的那些方程式就相当于他的画笔。“不相容原理”是被玫瑰窗所激发得以被发现，也可以说是通过保罗的发现得以被大众所 记住。发现之旅其实就是记忆之变。方志勇在现阶段则主要探索关于遗忘的不同面向和内在驱动。方志勇作品中那块被放逐而缺失的拼图，它既蕴含着关于人类文明演变的象征，还蕴含了我们师诸造化所得，那么更何况是发生在我们身上的那些变化的本质呢？  ...

李梁的魔幻现实主义

李梁2007年获得中央美术学院学士学位，2011年于中央美院取得硕士学位。 想象与影像，真实与虚幻，这些元素皆弥漫在艺术家李梁的作品之中。这位年轻艺术家的绘画创作专专注在油画这一领域。李梁出生于郑州这一工业城市，尽管离著名的学武之地少林寺不远，郑州仍并非世界的主流城市。也许对于那些曾游览过郑州并感受过这座城市的能量与气息的人而言，李梁的大部分作品笼罩在一种朦胧的黄褐色光晕之中，诉说着对这座城市的记忆，并且这样的风格和底色贯穿于李梁的主要创作生涯之中。这些图像的背后，也正如它所呈现的一样，皆是李梁称之为家的那个地方的景象和气质。  在李梁的作品之中，真实世界的场景常常与脑海中虚幻的场景交相辉映，看起来他似乎找到了合适的方式将现实生活与创作相糅合。李梁借着虚幻的梦境，在画布的主次之间到处捕捉这种现实与虚幻的亲密关系。而这种创作风格，正是东方式的魔幻现实主义。         “魔幻现实主义”指的是本世纪五十年代前后在拉丁美洲兴盛起来的一种文学流派：它将现实世界中的人的故事和其心里甚至精神的进展相结合，这也是因为现实生活中的戏剧能在多个三维空间中发挥作用。它不是幻想文学，而是一种描绘真实现实的尝试。许多人经历过这样的感觉，在闻到一些食物在烹饪过程中散发处的那种气味时或在收音机上听到那恰到好处播放着的歌曲时，记忆瞬间奔涌而至。气味或声音能将一个人带回很久以前那个美丽甚至可怕的时刻。这是因为人类对事件的感知永远与想法、情感以及与之伴随的嗅觉和听觉内容锁定在一起。1970年代解构学派聚焦于这一点以此表明没有人会以同样的方式理解一个概念，因此每个人都有自己独特的对生活的现实和理念的理解。魔幻现实主义接受这种观点，然而是把它作为一个能将所有领域包括不易被眼睛看见的领域融入一个整体的真正的现实。远不及此的是，没有人能够知道到底什么才是真实的现实，一个现实主义者更倾向于说明真实的现实包含了可能连许多客观主义者都不会认为是真实的一些东西。现实主义者不想将人们对现实的种种区分弄清楚，而是如何将现实的所有领域相协调从而描绘真正的真实。         讽刺的是，魔幻现实主义并非发源于拉丁美洲，而是在一战期间用于描绘德国表现主义后期的一种绘画流派，被其流派成员命名为“新客观社”。魔幻现实主义随后在20世纪60年代到70年代转而流行于拉丁美洲并且表现在诸如作家伊莎贝尔·阿连德与加夫列尔·加西亚·马尔克斯的著作之中。而现在，它表现在李梁最近的作品之中。  魔幻现实主义经常以不同的形式呈现，一类包括非常逼真的图像，类似于超现实主义或荒谬主义，它们描绘的如此细致逼真，而又在文本当中呈现成一种虚假的存在，这样看起来十分的不和谐甚至是可笑荒谬的。另一类可以展现类似于真实的图像，就像是李梁画中的那个男孩，脑海里包含着自我感知和想法，并且表现得像男孩的形象一样真实。那些模糊的图像的呈现，正如一些食物经常不被重视一样。所有的一切都是在试图描绘一种真实的现实或可被称为深刻的现实主义。  魔幻现实主义的诸多不同形式的化身同时也是一种迷失的表现。那些游离在现实之外的图像和主题们正如那些丢失的事物，那些从来不存在的事物，或那些可能存在过的事物。时光的流失展现了那些曾经真真切切发生过的事情，然而真实的心灵世界包含着一个与众不同的现实世界，并且可能有一天或者在过去的某一天在梦中出现。缺席的事物正如它存在那般真实，而魔幻现实主义可以同时捕捉它和存在的事物。 李梁积极地探索了每一种表现形式，并且在作品之中将常见的和不常见的事物相统一。       李梁早期的作品专注于一个或者多个男孩的图像表达。图像中的男孩最常见的是流露出一个不可思议的表情，手臂无助式地掉到一边。画布上其余的构图成分则来自于男孩心中所想或者是自己内心世界的呈现。李梁创作的这一系列的“男孩图像”作品时年纪并不大。在早期的作品中，他在男孩图像的背后直接地融入中文的诗词文字去表达画作中男孩内心的感受。这也是有据可依的，中国年幼的男孩女孩最初接受的教育就是尽可能地去背诵和默写大量的汉字。 李梁的男生系列图像容易让人联想到张晓刚的血缘系列。的确，这种借鉴是显而易见的，然而李梁对于自己的创作方向却完全来自于自己的内心。 随着李梁创作的不停演变，他在绘画主题上开始专注于同一个男孩的形象，但是这一次的作品开始融合了一些玩具的图像，特别是其中的红帆船以及画面中那个或端坐或沉浸在内心世界的男生的多种相反的图示。在含有中国诗词的第一个系列的作品中，我们可以通过画面中心那个男孩四周的墙壁感知这是个具有现实气息的画像。然而，不容质疑的是，观者在这一系列的新创作中不再是去凝视一个关于阐述现实的画面，而是被引领至这样一个更加具有现实性的世界的魔幻图像之中。在李梁的这个新系列作品中，其在绘画技巧上的发展也是非常值得注意的。不单单专注于纯粹的图画意向，他的绘画语言也构成了魔幻现实主义的一部分。李梁在男孩系列后时期的一些列作品中呈现了更加当代的抽象绘画语言。油漆顺着自己的方向在画面中流淌或者凝结成点滴状，形成类似于沙砾或者灰尘的效果，这是在以往的作品中没有的。另一方面也保留着些许以往的气息，让人联想到郑州的那些街道。是不是李梁的魔幻现实主义的进程超越了画像中的那个男孩形象以及透过男孩内心世界所展现的艺术家、绘画媒介、和艺术家所处的城市环境？作品的画面变得更加的完整，甚至包括了艺术家的形象以及对油墨的运用。李梁作品的这个阶段也是最受追捧的一个，除了沿着这些作品的步伐之外，李梁最近期作品（2015-2016）也同时出现了三个新的方向。         首先，最令人期待的是，这个最新系列的作品可以成为李梁的颜色时期。由于颜色和情感相关联，这些图像依然沐浴在统一的、均衡的色调之中。李梁的颜色隐藏着其内心的感情世界的转变。这使得这个阶段的李梁作品展现了画布颜色的独特调性。整个图像的男孩比重大大减少，画面中男孩如同小欢迎幻影一般呈现。同时增加了画面中抽象的比重。如同李梁的“男孩”逐渐变成了“大人”。这些系列的作品通常为红色以及粉红色的色调为主。花的比重增大，而人物比重减少。这一最新系列的创作一定程度上可以解读成是运用油画和当代的手法去呈现中国传统的水墨画。同时作品也运用了一些几何结构的元素。这些都是在以往的李梁作品中看不到的。目前李梁的颜色时期可以分为四个颜色系统：红色和粉红色；灰色；天蓝色和柠檬橙色调。         李梁近期第二个探索方向是通过颜色时期的创作延续早期魔幻主义风格。随着更多的女性形象的加入以及女性内心世界的呈现，作品的题材变得更加宽广。随着年龄增长，男孩成长为男人，性欲逐渐增强，画面中孤独的调性也随之减弱。李梁的创作朝着这个方向不断发展，更多地回归到绘画上的图像表现，侧重于形象的表现和塑造，弱化了在绘画技巧上的展现。 李梁的最后一个方向尝试也是非常明显的。这些作品非常写实，与李梁先前的作品在绘画语言上基本没有关联。 这些都是李梁在乡下的写生之作，鸟类、人类和各种主题的尝试都传达了现实主义的主题，并且游离在经典和媚俗的边界。这对于李梁来说是个非常有勇气的尝试，预示了他未来有可能会尝试的创作形式，同时也糅合了存在于现实之中与艺术家内心深处的未知之物。 李梁的魔幻现实主义在其自身的创作过程中逐渐形成，题材的元素在不停的延伸扩展，而并非一蹴而就。作为同时代探索真实这一主题的中国青年艺术家中的一员，李梁的艺术道路对其他的同辈的艺术家有着非常深刻的影响。...

技艺之外 I 中国艺术家王敏

V. 主持人 I 王敏I 布面丙烯I 130x170cm 技艺绝非艺术的全部。艺术家需要独特的态度和观点以激发省思的潜能。中国艺术家王敏最近的作品可作为一则全本示例。 中国青年艺术家王敏（b.1986）在她的最新系列“ V.”中诠释了一种她所谓的“基因多样性”。当我们为了追求更完美的后代而开始进行基因编辑修改时，我们（更确切地说是我们的曾曾孙）将会是什么样子。  王敏的作品可能使某些人震惊，而另一些人则质疑将这样的作品悬挂上墙的合理性。一位评论者称这些画中的面孔为“对未来的反乌托邦式想象”，而另一些评论者则将她归入了新波普艺术流派，甚至称她为沃霍尔主义者。然而，对于与艺术家同代的中国人来说，这些作品实则联系且诉说了非常深刻的真实。如果你看到王敏作品近旁出现的年轻人们，那么不多时他们就会开始进行集体自拍行为。       V.6 I 王敏 I 布面丙烯 I 130x190cm     V.1 I 王敏 I 布面丙烯 I 100x120cm     一道亮光 No.9 I 王敏 I 布面丙烯 I 60×60cm       现在仔细看。照眼的简明之下，藏着极尽精细的头发和衣纹。没有重复的图样。笔触无懈可击。细节精准。 再仔细看。起初几乎无法察觉的图案忽然显形为中国传统山水画。看起来是尽管掌管记忆的遗传基因已发生变化，水墨山川仍然留存。某个肖像的头发中营造出山水风景，而另一幅肖像的服装则表现出沼泽地景。 现在看得再近些。画面中的人直直看向你，尽管这凝视可能短暂使你失魂，但他们并不会如鬼附身。他们并非丧尸，并不会有什么歹事发生。这些面孔不会令人感到恐惧。他们的面庞仍然仿似我们的脸，尽管被包裹在已经改变基因的躯壳中。这不仅关乎血肉，更关系精神和意志。我们就是他们。 没有外星人入侵地球；在王敏的这些非凡作品中，我们看到了未来自我的可能。肉体，精神和遗传记忆仍然存在-我们作为物种在进化……这一切遐思都通过作品在缓缓散发。...