여기 한국어로

June 17, 2021

작성자: 왕징위

왜 다다인가?

정홍샹 작가가 다다에 대해 문자적으로나 기술적으로나 집착하는 것은 한 가지 단서를 제공합니다: 다다는 오늘날에도 여전히 유효하다는 것입니다. 정 작가는 자신의 작품 중 한 시리즈에서는 그림의 일부를 잘라내고 털을 채워 넣었으며, 다른 경우에는 주인공들의 머리 부분을 대담하게 **’DADA’**라는 3차원 단어로 대체했습니다. 따라서 이 글은 유명한 미술 운동인 다다를 회고하고, 다다가 오늘날에도 여전히 유효하다는 섣부른 결론이 타당한지 판단하고자 합니다.

정홍샹, 정글의 왕, 캔버스에 유채, 털, 2016

정홍샹, 야수, 캔버스에 유채, 털, 2016

정홍샹, 다다!, 캔버스에 유채,

2016 정홍샹, 동물 공장 No. 1, 캔버스에 유채, 털, 2016

“다다는 미술의 새로운 경향이다. 지금까지 아무도 그것에 대해 몰랐고, 내일이면 취리히의 모든 사람들이 그것에 대해 이야기할 것이라는 사실에서 이를 알 수 있다. 다다는 사전에서 왔다. 그것은 끔찍하게 단순하다. 프랑스어로는 ‘어린이용 목마’를 의미한다. 독일어로는 ‘안녕’, ‘나에게서 떨어져’, ‘나중에 보자’를 의미한다. 루마니아어로는 ‘네, 정말입니다, 당신이 옳아요, 바로 그거예요. 하지만 물론이죠, 분명히, 맞아요.’ 등등을 의미한다.”
—— 위고 발(Hugo Ball, 1886-1927)의 다다 선언문 (Manifeste DaDa), 1916 [1]

다다 운동의 공식적인 발상지는 스위스 취리히에 위치한 카바레 볼테르(Cabaret Voltaire)로, 휴고 발(Hugo Ball)이 동료 에미 헤닝스(Emmy Hennings, 1885-1948)와 함께 설립한 예술가들의 나이트클럽입니다. 1916년 7월 14일, 휴고가 대중에게 “다다 선언문”을 낭독했습니다. 이 나이트클럽은 제1차 세계 대전의 혼란에 좌절하여 중립국 스위스로 피난 온 느슨하게 연계된 예술가 집단을 끌어들이는 활발한 중심지 역할을 했습니다.

선언문의 문구는 이 예술 운동이 자신을 명확히 정의하려는 의도가 없었음을 분명히 보여주며, 무작위로 선택된 이름의 선택은 이를 모든 사람이 명확히 알 수 있도록 했습니다. guiding principle은 반체제 또는 반구조주의로 보였습니다. 아이러니하게도 다다는 1920년대와 1930년대 미술계의 체제와 구조에 빠르게 통합되었습니다. 비록 내부적 동기가 자기 파괴적인 메커니즘으로 보였지만, 다다는 뉴욕, 베를린, 파리를 포함한 여러 중요한 도시로 빠르게 영향력을 확장했습니다. 다다는 자신을 포함한 모든 것을 거부했지만, 전쟁 사이 미술계 전반에 걸쳐 구조화된 반구조주의의 함성으로 자리 잡았습니다. 제2차 세계 대전 이후에는 논쟁의 대상이 되기보다는 잊혀졌습니다. 그러나 다다의 유령은 초현실주의, 아방가르드(다다는 때때로 유럽 아방가르드로 불리기도 합니다), 심지어 1960년대의 플럭서스(Fluxus)를 포함한 새로운 운동의 지속적인 출현과 함께 남아있습니다. 어떤 면에서 해체주의는 건축, 언어학, 사회학 및 기타 창의적인 학술 사상 분야에서 다다의 반구조적 요소를 이어받고 있습니다. 다다는 사라졌지만 수십 년 동안 그 흔적을 남겼습니다.

다다는 제1차 세계 대전의 종말기와 그 여파로 인한 혼란과 공허의 분위기 속에서 만연했던 부르주아 미학에 대한 반응으로 탄생했습니다. 허무주의는 이 예술 운동의 핵심에 자리 잡고 있으며, 무의미함, 무의식, 그리고 무작위성을 중요하게 여기는데, 이는 다다가 영감을 준 모든 종류의 예술 형식에 스며들어 있습니다. 다다이즘의 또 다른 중요한 인물인 루마니아인이자 프랑스 시인, 수필가, 퍼포먼스 아티스트이며 다다 운동의 중심 인물이었던 트리스탄 차라(Tristan Tzara, 1896-1963)는 “다다는 마음의 상태이다. 행복할 수도, 슬플 수도, 우울할 수도, 혹은 다다일 수도 있다”고 썼습니다 [2]. 이 신조는 다양한 형식을 예고하며 전 세계로 퍼져나갈 의도를 가진 “마음의 상태”를 강조합니다. 베를린을 예로 들면, 다다가 이 도시에 도착했을 때 그것은 정치적 선전과 더 밀접하게 연관되고 행동 지향적으로 변했습니다. 휴고 발이 수행한 다다 운동의 초기 실천은 주로 음향 시(sound poems)의 공연 형태로 제시되었으며, 문학, 음악 또는 소리, 그리고 연극/놀이를 연결했습니다. 1918년 차라 또한 “다다 선언문”을 발표했는데, 이는 때때로 다다의 공식적인 설립 문서로 간주되었습니다. “다다 선언문 1918″은 반(反)선언문 스타일로 작성되었으며, 삶과 예술의 의미 탐색에 대한 자기 비웃음으로 가득했습니다.

다다 선언문이 발표된 같은 해, 휴고 발은 단어가 인식될 수 없는 새로운 종류의 시를 창조하려는 야심을 가지고 음향 시 “카라반(Karawane)”을 썼습니다. 이런 종류의 시는 “단어 또는 문장의 가장 깊은 연금술”을 표현하려고 시도했습니다 [3]. 말하자면, 공연 중에 그는 불규칙한 리듬으로 음절 패턴을 발화했습니다. 이것이 수십 년 후에 나온 촘스키의 언어학적 심층 구조 분석을 예견한 것일까요? 공연을 하는 동안 그는 일상적인 물건으로 만든 기이한 의상을 입었는데, 이는 약 10년 후에 바우하우스 디자이너인 오스카 슐레머(Oscar Schlemmer, 1888-1943)가 만든 발레 의상을 예견한 것이었습니다. 공연 자체는 무의미한 텍스트에 또 다른 층위의 부조리함을 더하여 다다이즘적 경험을 총체적으로 만들어냈습니다.

(왼쪽) 1916년 취리히의 카바레 볼테르에서 입체파 의상을 입은 시인이자 다다이스트인 휴고 발.
(오른쪽) 게오르그 그로스, 존 하트필드 등이 편집한 예상되는 앤솔로지 Dadaco의 교정 용지, 1919년, 발의 1917년 텍스트 “Karawane” [4]

바우하우스 극장, 삼림 발레, 오스카 슐레머, 1923

다다 예술가들은 다다보다 몇 년 앞서 이탈리아에서 시작된 또 다른 예술 및 사회 운동인 **미래주의(Futurism)**로부터 많은 영감을 받았습니다. 미래주의는 기계의 속도와 기술에 대한 찬양으로 유명합니다. 이탈리아의 루이지 루솔로(Luigi Russolo, 1885-1947)가 1913년에 쓴 “소음의 예술(The Art of Noises)”이라는 제목의 미래주의 선언문은 산업 시대를 맞이한 후 일상생활, 특히 기계에서 발생하는 소음의 재평가를 촉구했습니다. 그의 선언문은 “인트로나루모리(intonarumori)”(악기 이름, “소음-조율사”를 의미)라는 악기군의 발명과 함께 진행되었습니다. 루솔로와 그의 조수 우고 피아티(Ugo Piatti)가 공동으로 발명한 이 악기들은 당시 기계 소음으로 넘쳐나던 실제 삶을 반영하기 위해 소음의 모방적 효과를 포함하는 음악 작품을 만들어냈습니다.

이 작품 중 하나는 **”브뤼티즘(Bruitism)”**이라는 제목이 붙었는데, 이 단어는 후에 다다에 의해 한 종류의 음향 시인 브뤼티즘 시(Bruitist poem)를 정의하는 데 차용되었습니다. “소음 음악”을 의미하는 “브뤼티즘”이라는 단어는 이탈리아 미래주의자 필리포 토마소 마리네티(Filippo Tommaso Marinetti, 1876-1944)가 1909년 그의 “미래주의 선언문(Manifesto of Futurism)”에서 미술 분야에 처음 소개했으며, 이는 베를린 다다 그룹의 창시자인 리하르트 휠젠베크(Richard Huelsenbeck, 1892-1974)가 1920년 에세이 “앙 아방 다다: 다다이즘의 역사(En Avant Dada: A History of Dadaism)”에 기록했습니다 [6][7]. 미래주의 시의 “자유로운 단어(words in freedom)” 옹호와 유사하게, 브뤼티즘 시 또한 단순하고 관련 없는 텍스트와 이미지의 예상치 못한 조합을 시각적으로 표현하는 것을 특징으로 하며, 이는 그래픽 디자인의 원형입니다 [8]. 이러한 문자적 언급은 미래주의의 시적, 음향적 개념이 다다에 미친 영향을 분명히 보여줍니다. 휴고 발은 항상 음향 시의 발명가로 여겨졌지만, 다다의 맥락에서는 상대적으로 제한적이었습니다. 왜냐하면 음향 시의 더 긴 시간 틀에서 언어의 음성적 속성에 대한 관련 탐구는 이미 19세기 말에 시작되었기 때문입니다. 캐나다 시인이자 학자인 스티브 매커프리(Steve McCaffery)의 “음향 시(Sound Poetry)”에 대한 철저한 조사는 다다의 “역사적 중요성” 때문에 미래주의자들의 음향 실험이 미술사에 의해 부당하게 과소평가되어 왔음을 밝혀냈습니다 [9].

루솔로, 조수 우고 피아티, 그리고 인트로마루모리 (악기 이름)

미래주의 시는 응고된 의미론을 파괴하기 위해 의성어와 시각 디자인을 활용하여 **”자유로운 단어”**를 옹호합니다.

나머지 두 가지 음향 시는 **동시 시(Simultaneous poem)**와 **움직임 시(Movement poem)**입니다 [10]. 이들은 서로 다른 언어, 리듬, 음조로 여러 사람이 동시에 시를 낭독하는 동시적 특성을 강조하거나, 원시적인 움직임의 필수적인 동반을 강조하는데, 이 둘 모두 음향 시에 내재된 공연 지향성을 재확인시켜 줍니다. 그리고 **”동시성(Simultaneity)”**이라는 개념 역시 마리네티로부터 차용되었으며, **”삶에 대한 직접적인 상기”**의 역할을 합니다 [11]. 휴고 발, 리하르트 휠젠베크, 라울 하우스만(Raoul Hausmann, 1861-1971), 트리스탄 차라, 마르셀 얀코(Marcel Janco, 1895-1984)를 주축으로 한 다다이스트 그룹은 글쓰기와 더 중요하게는 즉흥성을 강조하는 공연을 통해 음향 시의 가능성을 탐구했습니다. 원시적이고 종교적인 의식을 연상시키는 기이한 공연은 또한 파괴된 사회의 구현이기도 했습니다.

신문 조각과 같은 비예술적 사물을 예술 영역으로 도입하는 방식인 콜라주는 다다 예술 작품에서 가장 두드러지게 장려된 기술 중 하나입니다. 이 기술은 회화에서 원근법을 완전히 포기한 파블로 피카소(Pablo Picasso, 1881-1973)가 선구자였던 **입체주의(Cubism)**에서 유래했습니다. 그의 실험은 2차원에만 국한되지 않고 삶에서 **”발견된 오브제(found objects)”**를 사용하여 콜라주와 아상블라주를 포함했습니다. 그러나 다다가 다양한 작품에서 컷업(cut-up) 및 콜라주 기법을 사용하여 기술의 구문을 더욱 자유롭게 만들었습니다. 다다이스트들은 회화나 조각과 같은 “독창적인” 작품을 만드는 데 연연하지 않고, 나중에 **”레디메이드(readymade)”**라는 용어로 만들어질 일상적인 사물을 활용하는 경향이 있었습니다. 특히 마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp, 1887-1968)이 사용한 “레디메이드”는 산업 시대의 결과물인 제조되고 대량 생산된 오브제들입니다. 뒤샹은 “레디메이드”를 정의하는 데 더욱 적극적이었습니다. 그는 단순히 제조된 오브제를 아무런 처리 없이 콜라주되기 전에 제시하기도 했습니다.

만돌린을 든 소녀
파블로 피카소
1910

기타
파블로 피카소
1913
잘라 붙인 신문지, 벽지, 종이, 잉크, 분필, 목탄, 연필 (색지 위에)
© 2020 파블로 피카소 재단 /
Artists Rights Society (ARS), 뉴욕

정물
파블로 피카소
1914
© Succession Picasso/DACS 2020

자전거 바퀴
마르셀 뒤샹
1951
칠한 나무 의자 위에 장착된 금속 바퀴

본질적으로, 각 문자, 단어 또는 구문은 이미 존재하는 오브제를 활용하여 뒤섞고 새로운 작품을 만들 수 있게 했습니다. 포토몽타주(photomontage), 즉 사진 콜라주와 음향 시는 무작위적인 혼돈과 무질서가 기존 규범에 적용되어야만 원래 상태로 돌아갈 수 있다는 동일한 논리를 공유합니다. 이질적인 병치를 통한 콜라주의 본질적인 타당성은 가장 깊은 정신적 자동성을 드러내려는 의도에 있으며, 이는 다다가 쇠퇴할 무렵 **초현실주의(Surrealism)**의 부상 또한 예고했습니다. 그리고 다다 운동은 역사 속으로 사라졌지만, 콜라주 기법은 오늘날까지 미술계에서 계속해서 지배적인 위치를 차지하고 있습니다. 최근 연구에 따르면 콜라주는 사실 입체주의보다 훨씬 이전에 발명되었습니다. 스코틀랜드 국립 미술관에서 개최된 2019년 순회 전시회 “자르고 붙이기: 콜라주 400년(Cut and Paste: 400 Years of Collage)“은 많은 근대 이전 수공예품에서 찾을 수 있는 콜라주 기법의 기원을 추적합니다 [12]. 찰스 크레이머 박사와 김 그랜트 박사의 “다다 콜라주” 역사 연구 또한 가장 대표적인 다다 콜라주 작품 중 하나인 한나 회흐(Hannah Höch, 1889-1978)의 **”독일의 마지막 바이마르 맥주배 문화 시대의 부엌 칼로 자른 다다(Cut with the Kitchen Knife Dada through the Last Weimar Beer-Belly Cultural Epoch in Germany)”**가 이름에 있는 도구 **”부엌 칼”**의 암시만으로 콜라주가 **”전통적으로 여성의 가정 예술 형태”**였던 원래의 맥락으로 기술을 되돌려 놓았음을 보여줍니다 [13]. 각 시대나 운동은 이 기술에서 자체적인 추진력을 얻어 자신만의 변형을 만들어냅니다.

“자르고 붙이기: 콜라주 400년” 전시 도록

한나 회흐, 독일의 마지막 바이마르 맥주배 문화 시대를 부엌칼로 자른 다다, 1919-20, 포토몽타주 및 수채화 콜라주

다다이스트 시를 만드는 법

신문 한 부를 준비하세요. 가위도 준비하세요. 이 신문에서 시로 만들고 싶은 길이의 기사를 고르세요.

기사를 오려내세요. 다음으로 이 기사를 이루는 단어 하나하나를 조심스럽게 오려내어 모두 봉투에 넣으세요. 살살 흔드세요. 다음으로 봉투에서 하나씩 꺼내세요. 봉투에서 나온 순서대로 성실하게 옮겨 적으세요. 그 시는 당신을 닮을 것입니다. 자,

이제 당신은 천부적인 감수성을 지닌 무한히 독창적인 작가가 되는 것입니다. 비록 속물적인 무리들에게는 인정받지 못할지라도 말이죠.

트리스탄 차라

트리스탄 차라는 1920년에 “다다이스트 시를 만드는 법”을 썼습니다 [14].

트리스탄 차라는 오늘날에도 여전히 인기 있는 다다이스트 시를 만드는 방법에 대한 위와 같은 지침을 썼습니다. 우리 시대의 록 스타 데이비드 보위(David Bowie, 1947-2016)는 작사와 아이디어 구상에 이 방법을 많이 사용했다고 주장했습니다. 그가 컷업(cut-up) 방법을 사용하고 이를 컴퓨터에 적용한 것은 다다가 디지털 시대와 동시대적임을 다시 한번 증명합니다. 기술과 테크놀로지가 아날로그와 디지털 맥락에서 서로 병행할 때, 콜라주는 물리적 세계와 가상 세계를 넘나들며 그 생명을 재활성화시킵니다.

Screenshots from “Cut up technique- David Bowie”, the lyrics for the song “Moonage Daydream” [15]

**다다(Dada)**의 동의어 중 **메르츠(Merz)**라는 것이 존재하는데, 이는 **쿠르트 슈비터스(Kurt Schwitters, 1887-1948)**가 만들었습니다. 그는 공식적으로 다다 클럽에 의해 거부되었음에도 불구하고, 그의 예술 활동을 보면 의심할 여지 없이 다다이스트입니다. 슈비터스는 간결함과 무작위성을 동일한 수준으로 갖춘 자신만의 다다 버전인 메르츠를 제안했습니다. 슈비터스는 혼합 재료, 포토몽타주, 조각, 건축을 아우르는 다양한 시리즈의 작품을 만들었고, 이 시리즈에 서로 다르지만 연결된 이름을 붙였습니다. 콜라주와 아상블라주는 **”메르츠빌트(merzbild)”**라고 불렸으며, 이 작품들에 사용된 방법론은 높은 수준의 즉흥성을 포함합니다. **메르츠바우(Merzbau, 1933)**라는 또 다른 작품은 더욱 급진적인데, 슈비터스는 발견된 오브제들을 사용하여 자신의 집 내부를 변형시켰습니다. 슈비터스는 메르츠 브랜드를 론칭하고 여러 하위 브랜드를 파생시켜 자신만의 예술적 지형을 구축했습니다 [16].

Merz 1. – Holland Dada, 1923, printed cover of his first Merz-publication

Merzbild 29a

Kurt Schwitters

The Merzbau, Sprengel Museum, Hanover, 1933

1979년 마사미 아키타(일본인)가 시작한 **메르츠보우(Merzbow)**라는 영향력 있는 노이즈 프로젝트가 있는데, 이는 메르츠에 대한 오마주입니다. 노이즈, 사운드, 다다, 메르츠가 같은 장치 아래에서 관찰될 때, 이것이 노이즈 아트에 관한 프로젝트라는 것을 발견하는 것은 놀라운 일이 아닐 것입니다. 사람들은 음향 시에서 계속해서 새로운 콘텐츠를 발굴하고 각 작품에서 새로운 처리 방식을 도출합니다. 이 작품들은 시각화된 애니메이션, 비디오, 음악 앨범, 그리고 퍼포먼스를 통해 끊임없이 재해석되고 있습니다.

쿠르트 슈비터스는 1925년에 처음 발표한 후 수년간 다듬었던 가장 유명하고 전형적인 음향 시 중 하나인 **”우르소나타(Ursonate)”**를 창조했습니다. 2017년, 퍼포마 17 비엔날레의 의뢰로 남아프리카 예술가 윌리엄 켄트리지(William Kentridge)는 다다 운동 100주년을 기념하여 다다 예술가에게 헌정하는 슈비터스의 “우르소나타” 두 편의 공연을 무대에 올렸습니다. 2011년 베니스 음악 비엔날레에서 마이클 슈미트(Michael Schmid)가 공연한 버전과 같은 다른 “우르소나타” 버전도 있습니다. 전통 작품의 이러한 새로운 공연들은 다다의 활력이 오래도록 이어진다는 것을 보여주는 듯합니다.

다다뿐만 아니라 모더니즘과 포스트모더니즘 전반에 걸쳐 중요한 인물인 **마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp)**은 실제로 예술 운동을 다른 차원으로 끌어올렸습니다. “레디메이드(readymade)”를 정의하는 그의 유명한 작품들 외에도, 그는 음향 실험에 대한 강한 경향을 표현하는 몇몇 아상블라주/음악적 지시를 개발했는데, 이는 존 케이지(John Cage)의 사운드 아트 탐구보다 반세기 앞선 것으로 간주되었습니다. 뒤샹의 음악적 실험은 다다이즘 자체의 실천보다 이른 1912년으로 거슬러 올라갈 수 있습니다 [17]. 미완성 작품 **”음악적 오류(Erratum Musical)”**를 예로 들면, 이 곡에서 세 개의 목소리를 위한 유희적이고 개념적인 작곡 방식이 핵심입니다. 모자에서 음표가 적힌 카드를 무작위로 뽑는 우연의 메커니즘은 존 케이지(1912-1992)의 일련의 불확정성을 예견하는데, 이는 어느 단계에서는 선 사상에 영향을 받아 무엇이든 받아들이는 태도를 포용합니다. **”우연성(chance)”**은 사실 다다이스트들이 지닌 무작위성의 어떤 변형으로 간주될 수 있습니다. 야링 첸(Ya-Ling Chen)의 연구에 따르면 뒤샹의 이 작품은 “1920년 3월 27일 다다 시위에서 다다 예술가 마게리트 부페(Marguerite Buffet)에 의해 처음으로 대중에게 공연되었습니다” [18].

Erratum Musical, 1934

단연코 가장 독창적이고 급진적인 음악적 구성은 미국에 거주했던 **마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp, 1887-1968)**의 작품이었습니다. 종종 A. 클랑(Klang: 독일어로 “소리”)이라는 가명으로 활동했던 그의 아상블라주는 존 케이지의 불확정성 실험보다 반세기 앞서 텍스트, 음악, 재현, 표기법의 경계를 교묘하게 모호하게 만들었습니다.

— 《혁명적에서 규범적으로: 미국 음악 속 다다와 초현실주의의 비밀 역사(From Revolutionary to Normative: A Secret History of Dada and Surrealism in American Music)》에서 발췌

소리의 영역은 다다가 거주하기에 이상적인 낙원입니다. 소리 자체가 너무 추상적이어서 표현하기 어렵고 너무 덧없어서 통합하기 어렵기 때문입니다. 게다가 소리는 다른 감각과 융합하는 유연성을 가진 본질적으로 학제 간 매체입니다. 때때로 예술가들의 아이디어는 너무나 시대를 앞서가서 기술에 의해 실현이 제한됩니다. 녹음 및 재생 기술의 제약으로 인해, 더 많은 소리 실험이 가능해진 것은 녹음기가 발명된 후였습니다. 소리는, 소음이든 음악이든 추상적인 진동이든 간에, 추상적인 음표에서 그 자체의 가소적인 몸체를 가진 대상으로 변형되며, 이는 “발견”되고 더 나아가 “처리”될 수 있게 합니다. “발견된 오브제”의 범위가 확장되었고, 예술의 가능성도 마찬가지입니다. 소리의 구체화는 1940년대 초 프랑스 작곡가 피에르 셰퍼(Pierre Schaeffer, 1910-1995)가 제안한, 녹음된 소리를 다양한 종류의 처리를 위한 원료로 사용하는 음악 작곡 방법인 **뮤지크 콩크레트(musique concrète, 구체 음악)**의 개념을 예견했습니다.

그리고 전자 시대로 진입한 후에는 또 다른 이야기가 펼쳐졌습니다. 현대 음향 예술은 기술적으로 훨씬 더 광범위하게 사운드스케이프 내에서 활동할 수 있도록 갖추어져 있습니다.

다다가 음향 예술에 미친 영향에 대한 몇몇 연구가 있었습니다. 전자 음악의 아버지로 불리는 프랑스계 미국인 실험적 모더니스트 아방가르드 작곡가 **에드가 바레즈(Edgard Varèse, 1883-1965)**는 “1915년 젊은 예술가로서 미국으로 이주하면서 뉴욕 다다이스트 서클에 참여했습니다” [19]. 그리고 그의 일부 작품은 순전히 타악기 소리에 중점을 둡니다. 이러한 소리들은 다다의 “기계 언어”에 대한 지침이자 상기 역할을 합니다. “혁명적에서 규범적으로: 미국 음악 속 다다와 초현실주의의 비밀 역사(From Revolutionary to Normative: A Secret History of Dada and Surrealism in American Music)”라는 기사에서는 음향 예술과 다다 운동 간의 많은 숨겨진 연결이 확인되었으며, 이는 다다가 현대 미술 및 그 규범적 구현과 관련된 미래의 음향 실험을 위한 인지적 준비 작업을 수행했다는 결론으로 이어집니다. 결국, 우리는 모두 기계가 삶과 사회를 침범하는 시대에 살고 있습니다. 기술의 발전으로 인해 정보의 전송 속도가 다다이스트들이 원래 상상했던 것보다 훨씬 빨라졌지만, 우리가 직면한 것은 강렬하게 파편화된 현실입니다. 우리의 현실과 다다의 현실의 본질적인 차이는 기계 언어가 아날로그에서 디지털로 전환되었다는 점일 수 있습니다.

다다 운동이 몰락한 후 수많은 눈부신 예술 개념들이 줄을 서 있었지만, 다다의 반항 정신은 결코 죽지 않습니다. 한 다다 학자에 따르면, 펑크 노래에서 가장 인기 있는 단어가 “no”라고 말한 것처럼, 다다는 대문자 “NO”로 상징될 수 있습니다 [20]. 다다의 유령은 여전히 현대 세계에 남아있을까요? 다다이스트 작품이 기록된 앨범과 원본 작품의 재현이 지속적으로 생산되고 있다는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 그것들은 수요가 있기 때문입니다. 1세기 이상에 걸쳐 다다의 목소리는 오늘날에도 여전히 울려 퍼지고 있습니다. 다다는 그 이름 자체가 일종의 의미 없는 소리임에도 불구하고, 만연한 질서를 뒤흔들려고 노력했습니다. 산업화, 부르주아 가치, 소비주의의 문제가 디지털화와 세계화와 같은 새로운 문제들이 계속해서 터져 나오면서 더욱 심해지고 있는 현대 세계에서 절실히 필요한 저항의 힘입니다.

아무리 짧은 기간이었지만, 다다는 모더니즘의 빅뱅과 같은 것을 구성한다 [21].
— 《다다는 100년 전에 탄생했다. 그래서 무엇이 달라졌는가?(Dada Was Born 100 Years Ago. So What?)》 중에서

Our Echo via Curation

사운드 설치 작품 제작 과정

사운드 설치 작품을 제작하는 과정은 다음과 같습니다.

키워드 브레인스토밍: 정홍샹 작가의 작품에서 떠오르는 모든 키워드를 작성하여 풀에 모았습니다.
단어 풀 리믹스: 모아진 단어 풀을 약간 리믹스했습니다.
다국어 번역 및 낭독자 선정: 단어들을 여러 언어로 번역하고 각 언어별 낭독자를 선정했습니다.
개별 녹음: 동시에 다른 언어로 텍스트를 낭독하는 대신, 각 낭독자가 텍스트를 개별적으로 읽고 녹음했습니다.
사운드 샘플 편집: 다른 언어로 된 사운드 샘플들을 잘라 붙였습니다.
삽입곡 선정: “바보들의 배(Ship of Fools)” 또는 “다스 나렌쉬프(Das Narrenschiff)”라는 제목의 노래나 “떠다니는 뗏목”(전시회의 중국어 제목)이라는 가사가 포함된 중국 경극을 찾아 삽입곡으로 선정했습니다.
배경 음악 삽입: 텍스트의 의미적 내용과 느슨하게 관련된 배경 음악을 찾아 낭독 사이에 삽입했습니다.

이 글의 맨 처음에 나오는 비디오 설치 작품은 사운드 설치 작품을 기반으로 한 추가적인 발전입니다. 우리가 쇼를 위해 촬영한 모든 영상, 정홍샹 작가의 그림, 그리고 그가 직접 제작한 비디오 작품들을 편집기에 넣고 다시 컷업과 아상블라주 작업을 했습니다. 본질적인 편집 관련성 때문에 사운드 설치 작품은 비디오 설치 작품으로 변형되었고, 이는 정 작가의 작품에 대한 큐레이션적인 메아리로서 전시에 선보였습니다.

이 글의 맨 처음에 언급했듯이, 우리에게 이 개념을 연구하고 미술사를 통해 현재와 연결되는 많은 가치 있는 연관성을 찾도록 영감을 준 것은 정 작가의 콜라주 회화였습니다. 정 작가는 시각적 혼돈을 만들지 않고 가장 효율적인 컷업 방식을 직설적인 스타일로 사용합니다. 도발은 방법과 개념의 조합에 더 있습니다. 정 작가는 “털”이 권력이 백성에게서 얻고자 하는 이득을 비유하는 것으로 사용되는 중국 고대 우화의 텍스트에 등장하는 오브제인 털을 도입합니다. 털은 우화를 그림의 서사 속으로 엮어내는 장치가 됩니다. 방법론적으로는 관련되어 있지만 이념적으로는 다다의 즉흥적인 콜라주와 반대되며 보통 무의식적인 수준에서 이루어지는 정 작가의 작품은 해체의 결과가 아니라 의도적인 재구성의 결과입니다.

소리의 포괄성과 특수성, 공간적 확산성은 이질적인 소스 재료의 콜라주 작품을 방송함으로써 갤러리를 새로운 공간으로 변형시키도록 영감을 줍니다. 이는 이번 전시 큐레이션의 또 다른 측면, 즉 사회적 공간의 한 유형인 **”헤테로토피아(heterotopia)”**와 더 연결될 수 있습니다.